Week 12 Peer Assessment

As the final workshop and the last step of film making, we did peer assessment of another group’s film this week. Assessment is the process of ‘identifying, gathering, and interpreting information about students’ learning’ (Winch.,Johnson.,March,Ljungdahl.&Holliday, 2010, p.132). For peer assessing, each group of students need to appreciate another group’s work film effectively, which means the elements of drama, visual arts and media arts should all be examined. To provide students with clear guideline in peer assessing, a marking criteria was given to each group:

Peer Assessment of Fairytale Films

With the marking criteria form, information included the three aspects of criteria (concept, character and communication) and three Creative arts areas (Drama, Visual arts and media arts). Each block in the marking criteria table provide students details of the key knowledge in making a fairy tale film, which we learnt in the previous eleven weeks. As another way of doing revision, I recognized the importance of communication in a film, particularly in a fairy tale film. Fairy tales as a type of oral storytelling is a ‘linguistic form of communication that rings a speaker and listeners together at the same time’ (Winch.,Johnson.,March,Ljungdahl.&Holliday, 2010, p. 585). Through silence or sound effects only could sometimes create an expected mood to audience during appreciating a film, storytelling is more important to make the audience understand and get into the story. While we were writing our script and making our own film, we also considered the essence of oral storytelling and the use of silence in audience’s own thinking, so we used a few different type of communication, such as body language, oral language and silence. 

The peer assessment provided all students an opportunity to appreciate the technologies or strategies that other groups used in film making, but more importantly an opportunity to think critically based on the elements of different Creative Arts areas and do critical reflection on own work. 

At the end, I have learnt a lot in Creative Arts this semester and media arts could assist curriculum teaching and students’ learning, which we have not learnt in previous two years. The knowledge in the lectures and tutorials are helpful to all Primary teachers and has a strong connection to students’ life. 

Reference:

Winch, G., Johnston, R., March, P., Ljungdahl, L., & Holliday, M. (2010). Literacy : reading,writing and children's literature(4th ed.). South Melbourne: Oxford University Press.

Week 11 Media arts Workshop 2

As the second last week of this semester, the focus of this week is production and post-production as film making processes. Through filming, students were expected to explore technical and symbolic elements in post-production. 

The whole process of film production took our group six hours to complete. First we considered the setting of the main scene and as the genre of the film is modified to be suspense, the main scene in the Pig’s apartment was taken in a dark room with light focused at the center. The reason for this was light ad shadows can ‘create mood, draw audience attention to a specific area, modify shape and create a 3rd dimension or bring out texture in an object’ (Jefferson, 2013). For the main scene, as we used differences of light to create the atmosphere of suspense and intention, we also use the light from torches for Pig’s body guards’ shadow puppets so that the shadow would look larger and more powerful. Then as the Pig would question the Wolf and show the attitude of doubt, the camera angle was decided to be close-up to make audience have a direct eye-contact with the Pig. 

Puppeteer and the rod puppet of the Pig

The shadow puppets of Body guards

To film other scenes, the outside of this ‘luxury modern apartment’ used the Law building in University of Sydney Camperdown campus with a long shot, which is made by glass and stylish. Then in the scene when the wolf trying to persuade the Pig, the puppet of the wolf was filmed from inside of a door as the wolf was locked outside the room. By filming this section, we used the Rule of Thirds to make audience focused on the window on the door and the Wolf, which was on right hand-side of the image. For my part, we filmed at the bush outside of Manning House. Then after all scenes were finished, our group completed post-production, which included film editing and sound effect editing.

Filming in a dark classroom with light from a projector

Reference:

Jefferson M. (2013). Week 9 Media arts workshop Note: Learning in Media Arts: Film. Sydney: University of Sydney.

Week 10 Literature Lecture

In today’s lecture, we focused on two questions:

What makes a quality literary text?

&

What are appropriate texts to use with primary students at various stages?

A quality literary text could be defined as a text that assist reader in demonstrating how the language can be used creatively and critically as well as understanding the world and people beyond our own world. During the process of reading a quality literary text, children should be able to ‘explore and question, interpret meanings, evaluate for themselves and think or reflect personally’(Gibson&Ewing, 2011, pp.71-72). That means, a quality literary text should encourage student’s critical thinking and ability to examine the context beyond the creative language in the text. Hence, a quality literary text is critical literacy at the same time and one requirement of critical literacy is ‘reading with a growing discernment of the personal, social, cultural, and aesthetic values of texts’ (Winch.,Johnson.,March,Ljungdahl.&Holliday, 2010, p.534). 

Critical literacy can also apply to visual texts, such as the illustrations of picture books, ad moving image, such as film (Winch.,Johnson.,March,Ljungdahl.& Holliday, 2010, p.534). With visual literacy, what students required is more than the ability to understand the images, as a particular form of Creative arts, but also the ability to critically analyse the power of images and the influence to the texts. As an assessment of students' learning, teacher should assess on students understanding of quality literary texts by examining meaningful visual texts. This could be used in literacy reading and writing, particularly in picture books study, as well as film making in primary schools. 

One example of quality literary texts used in the lecture is the picture book, Zoo by Anthony Browne. The image of the front cover assists reader to predict the relationship between characters and the role of each characters in the story. For example, by looking at the image, students at primary school could analyse the skinny mother standing at the back wearing an unnoticeable color of cloth compared to other characters as a metaphor of her position in her family, weak and unnoticeable.

However, considered on the various stages of primary students, it is teacher’s responsibility to select appropriate quality literary texts and maximize their values to students' learning.

References:

Gibson, R.&Ewing, R. (2011) Transforming the Curriculum through the Arts. South Yarra: Palgrave MacMillan.

Winch, G., Johnston, R., March, P., Ljungdahl, L., & Holliday, M. (2010). Literacy : reading,writing and children's literature(4th ed.). South Melbourne: Oxford University Press.

Week 9: Media arts Workshop 1

In the Media arts workshop this week, we focused on preproduction and production as making processes. As fundamental elements of Media arts, we explored composition, time, space, sound, movement and lighting to communicate story principles. These elements of Media arts assist media producers on creating different effects in their works for different purposes. For example, darkness and silence of sound are used frequently in horror movies to create the atmosphere of fear and make audience share the imaginary experience with the character. Then based on the concepts of the elements, we further explored some basic strategies we could use in our film, such as the uses of Rule of Thirds, movement, perspective and different camera shooting angles. The technique I am interested in is the Rule of Thirds, which would be explained below:

The grids in the photograph divide into nine parts. And in tutorial, we did an exercise with cardboard frames to ‘understand that photographers make decisions about which key parts within a frame’(Gibson&Ewing, p.98). Therefore, we noticed that the four crosses in the middle are usually used for emphasizing. Then this reminds me how parents taught me to use fingers and make a frame when I was little. This must be a starting point to recognize framing and emphasizing in vision.Teachers would be recommended to teach students framing with fingers so that students could understand this technique of camera shooting and the use of this strategy in real life. In our film production later, we could use the Rule of Thirds to arrange puppets and setting as well as make an emphasis.

Finger frame: the use of the Rule of Thirds in reality

Reference:

Gibson, R.&Ewing, R. (2011) Transforming the Curriculum through the Arts. South Yarra: Palgrave MacMillan.

Week 8: Media arts Lecture

As one of the key elements in making this puppet film, knowledge of media arts would be very essential for us as future teachers to learn. Adults and children are all living in a world surrounding by media and technology. Media is valuable to Creative Arts and other curriculum since media education ‘encourages students to think about media messages in a critical manner’ (Gibson&Ewing, 2011, p.94) and these media messages could be used as a intermediary for teaching. And film or video is only one type of media communication.

The lecture this week did not only show us how many different types of media have been used in people’s daily life, it also reveal the influence of media to education and how these two types of knowledge combined to maximize student's knowledge. This reminds me how often I involved media in my professional experiences and parttime teaching. For example, a class of Year 5 students did iPad online research of myths and legends last year and I often gave students in Mandarin classes some Chinese animation to watch on Smartboard. Even this reflective scrapbook is made in the form of online blogs so that some educational resources like videos and hyperlinks could be included and easier to access.

However, as a new Arts subject in NSW primary curriculum, students are not only expected to appreciate media arts but also produce their own ones, such as the film played in the lecture which was made by a group of primary students. The aim is encouraging students to explore technical and symbolic elements in film storytelling. In my own opinion, involving media education in Creative arts and other curriculum teaching is very engaging and could assist students to learn more skills and the ways of thinking in contemporary society.

Reference:

Gibson, R.&Ewing, R. (2011) Transforming the Curriculum through the Arts. South Yarra: Palgrave MacMillan.

Week 7 Visual arts Workshop

As Kay Yasugi introduced different types of puppets in her lecture last week, we made our own puppets for the film in Visual arts workshop this week. For Three ‘Big’ Pigs, we decided to make four different puppets for different purposes, including hand puppet (wolf), shadow puppets (body guards) and rod puppets(pig and firing shotgun). As introduced in Week 5 Drama workshop 2, my puppet is the firing shotgun made by pipes, black wrapping sheet, rod and red plastic bubble sheet, like below:

The scene would only be taken with movement, but no voice as the shotgun is one use of metaphor in the film. Since ‘puppets can operate metaphorically and they can be said to be feelings or character traits’(Ewing&Simons, 2004, p. 54), the shotgun is a metaphor of intention and threat to the other main characters. The material listed above were selected because of ‘their potential to represent some aspect of a character or thing, or its essence’(Ewing&Simons, 2004, p.54), which in this film, the shotgun represents the hunter and the essence of killing. The black sheet and red plastic bubble sheet would create strong contrast between colors and draw audience’s attention. The rod would push the red plastic strips out of the gun and make an ‘gun fire’. The purpose is to use movement realistic without sound. 

Through this workshop, I found it was a very interesting process on considering the materials and their uses to bring the puppet alive so that it could represent the puppeteer’s feelings as well as motivation. 

Reference:

Ewing, R. Simons, J. (2004) Beyond the Script: Drama in the Classroom. Newtown: Primary English Teaching Association.

Week 6 Visual arts Lecture: Puppetry

Before having the puppetry lecture this week, I did not think of using puppets as one kind of teaching tools in classroom. Our guest speaker Key Yasugi introduced different types of puppets and how they could be used for different teaching purposes. 

After reviewing the history of puppetry development, it was interesting to notice the role that puppets play in many different cultures. Though puppets have never been used when I was in primary school, I still watched many puppetry drama about fairy tales, such as the well-known traditional Chinese shadow puppetry drama of Monkey King and Journey to the West. As Kay Yasugi mentioned in her lecture, ‘puppetry is a great way to bring more reticent or shy children out of their shells’, puppets could be more than toys to students. puppetry could be a teaching tool as well as an effective learning tool in classroom. However, it is necessary for us as future teachers to remember that the way we use puppetry is more important to students. A puppet is ‘any inanimate object that is manipulated so as to appear animate’(Buchanan, 2010), so teachers needs to think of the movement they made with puppets and the puppet’s characterization as well as the communication between puppet and puppet or puppet and people.

As a part-time Mandarin teacher, I found having a puppet teacher was very engaging for teaching and student learning. I also showed students some videos of traditional Chinese Shadow puppetry dramas. Puppetry performance is not just used for telling history, it is history. 

The following video is the video I used to teach students the story of Journey to the West:

one scene of Chinese puppetry: Monkey King

In addition, there are many good lesson plans provided by Matt Buchanan about teaching with puppetry. The teaching ideas and lesson plans are sorted by age level, lesson type and cross-curricular content, which made all the resources clear for other teachers to search and use. The link of the website is: http://www.childdrama.com/lessons.html

Reference:

Buchanan, M. (2010) Puppets in Drama Classroom. Retrieved from: http://www.childdrama.com/puppets.html

Week 5 Drama Workshop 2

The focus of the drama workshop this week is movement and voice. By examining these two elements, we explored how to bring puppets to life within a dramatic context. As each group have already decided the fairy tale and seven critical moments, one of the major tasks in the tutorial was choosing the most important critical moment for the film and present to the class with puppets. The moment should manipulate elements of drama for performance, such as the tension of story, and reveal relationship between characters. 

In drama, relationship between characters and their characterization could be presented to the audience by using voice effectively as well as body language. Through puppets are not real people, but the voice that puppeteers used and ‘the non-verbal aspects of oral storytelling a re essential for breathing life into a story’(Gibson&Ewing, 2006, p.66). During the warm-up activities, such as students in pairs use puppets with an alien and a human to make a short drama, we examined that the puppets were mirrors represented our thoughts. However, a puppet could have a different personality with the puppeteer. This would require the puppeteer to walk in the character’s shoes so that he could present a different voice or gesture. Hence, as a teaching activity, using puppets in the classroom could encourage quiet students to explore their potential abilities and reflect their thinking with puppets.This is justified by Ewing and Simons(2004) that puppetry is 'a counselling aid, encouraging children to share things that they may be unable yo express directly'.

To bring puppets to life, voice and movement are necessary. To make puppets ‘alive’, story is also required to reveal character’s relationship and characterization. Hence, motivation and intention are needed to bring puppets reality. For the puppet film, our group chose the last scene as the critical moment since the intention of characters’ relationship. My role in the film is the hunter and the puppet is a shotgun. In the workshop this week, a shotgun was made by newspaper but it would be a symbol in the film. The shotgun is a symbol of danger and intention to the audience as well as the motivation brought the wolf goes to the pig. However, with a object puppet, the puppeteer needs to bring the puppet live by acting and using facial expression as well. Following photos show the shotgun puppet and the character we sculptured:

References:
Ewing, R. Simons, J. (2004) Beyond the Script: Drama in the Classroom. Newtown: Primary English Teaching Association.

Gibson, R.&Ewing, R. (2011) Transforming the Curriculum through the Arts. South Yarra: Palgrave MacMillan.

Week 3 Drama Workshop 1

In the drama tutorial this week, our focus was play-building and improvisation with narrative structures. As we would later make film with puppets instead of real people, it is considerable on how to express elements of drama. As required in NSW K-6 Creative Arts Syllabus, students needs to ‘applies acting an performance techniques expressively and collaboratively to communicate dramatic meaning (5.2.1)’. For example, the performance techniques include adjusting the pitch of voice to express the appropriate tone and using puppet’s body movement to present its characterization. The activity that we used in the tutorial to explain this concept was named ‘Yes and No’. By acting a ‘mother’ and ‘a child begging for the car key’, students could think critically on the facial expressions they could present, the oral language they could use and body language they could act with.

For the puppet film that we are going to make, the story should be based on a fairytale. The fairytale we selected for my group is Three ‘Big’ Pigs, which is a modified version of Three Little Pigs. As a modified version, the story would have a hunter as a new character in the story and the wolf would be a warm-hearted one who wanted to save pigs from the hunter. The seven critical moments were selected to draw and present to the class. The reason for choosing this seven particular moments is they reveal tensions and changes of relationship among characters. Hence, these scenes were worth to be well considered while presenting.

7 critical moments in Three 'Big' Pigs

Reference:

Board of Studies NSW (2006). Creative Arts K-6 Syllabus. Sydney, Australia: Board of Studies.

Week 2 Drama Lecture

In today’s drama lecture, we focused on critical moments in fairy tales. Every fairytale has at least one critical moment. That critical moment is usually the most important scene in the whole story and could make people remember after years. In the lecture, we examined the historical and contemporary depictions of fairytale characters in print and film media. It was very interesting to see how many versions existed for the same character in different print or film media, but it was more interesting to notice whatever the setting of the story has been changed over time, the critical moment remained the same. There are many types of media today, such as print, film, animation, advertisement and game. The following photos present the historical and contemporary depictions of Cinderella.



Cinderella from Disney movie

Cinderella from Japanese game

Poster of Cinderella opera

Cinderella advertisement for Hermes

All the photos and images are chosen from a variety of media illustated the moment when Cinderella drops one shoe on the stairs. However, what make this moment critical is the meaning behind the symbol of this scene, the shoe left on the stairs. As Gibson and Ewing (2011) identify symbol is ‘the use of one thing to represent another and often at a number of different levels’, the lost shoe as a symbol in this scene represents multiple meanings. For example, it could be Cinderella’s heart that lost with the Prince; it could be a hope left in both the Prince and audience’s mind; it could also be a string that links the story to a climax, finding out Cinderella. However, these illustrations, especially the Disney version, are stereotype and limited with creativity as the impression of Cinderella is a girl wearing blue dress and waiting for a prince to save her. In addition, the stepmother and two step-sisters in most versions are presented as ‘typical bad people’, ugly and bad mannered.

Overall, fairytales nowadays are not just for bed-time reading, they are also helpful teaching tools to have children engaged and learn more beyond the texts, such as exploring narrative structure, character relationships (the step-mother and two step-sisters of Cinderella presented strong jealousy towards Cinderella), role dynamics and status in role. In addition, finding the symbol in each fairytale and its meaning could be a very effective strategy to understand the critical moments of the story. At the end, there is a critical question for Cinderella:

Reference:

Gibson, R. Ewing, R. (2011) Transforming the Curriculum through the Arts. South Yarra: Palgrave MacMillan.